L’histoire du travail dans l’art avec le Workers Arts and Heritage Centre

Je m’appelle Sonali Menezes, mon pronom est elle, et je suis une artiste interdisciplinaire basée à Hamilton, en Ontario. C’est juste un grand mot pour dire que je fais un tas de différents types d’art dans différents médiums.

Je considère que le rôle de l’art dans le mouvement syndical et dans les mouvements de la classe ouvrière est d’ajouter un point d’entrée supplémentaire dans le mouvement ouvrier. Un point qui est potentiellement moins urgent. Un point d’entrée qui vous permet d’entrer dans un musée et d’aborder les questions qui se posent dans le mouvement ouvrier sous un angle différent. Un point de vue qui fait appel à la couleur, à la texture et à l’émotion, et qui n’est pas seulement un essai. C’est simplement une façon différente d’entrer dans le mouvement syndical. Je pense que l’art peut aussi offrir une perspective sur le mouvement ouvrier qui le rend irrésistible, excitant et peut-être moins intimidant. Un exemple que j’aimerais donner est que je suis un créateur de zines. Je fais des zines, ce qui est une sorte de publication indépendante. J’ai échangé des zines lors de foires aux zines avec d’autres zinesters lorsque j’ai commencé à en faire sur divers sujets politiques. C’était un très bon point d’entrée pour moi d’accéder à ces sujets par le biais d’un format de zine, qui est un magazine ou une brochure auto-publiée DIY (do-it-yourself). Il est fait rapidement et grossièrement sur une photocopieuse ; il porte des traces de doigts et peut être flou. C’était moins intimidant que d’assister à une conférence ou de chercher quelque chose sur l’internet, qui est si vaste et écrasant. Au lieu de cela, j’ai reçu ce sujet très ciblé, comme un zine sur les questions clés auxquelles j’avais besoin de réponses quand j’avais dix-huit ans sur la santé sexuelle. C’était tellement important d’avoir accès à ces informations dans un zine de manière accessible. J’ai de nombreux zines sur le mouvement ouvrier, je les ai trouvés très instructifs et j’aime les donner à lire aux gens.

Je peux parler d’un projet sur lequel je travaille avec le festival Mayworks à Toronto, qui est une organisation artistique syndicale. Je travaille sur leur projet « Labour Arts Catalyst ». Je me suis associée à une organisation syndicale, Labour Against The Arms Trade, qui milite pour la fin du commerce des armes au Canada et une transition équitable pour les travailleurs de ce secteur. Je vais produire des œuvres d’art sur ce sujet afin d’offrir aux gens un point d’entrée pour aborder le sujet d’une transition juste pour les travailleurs du commerce des armes et de la fin du commerce des armes d’une manière qui ne soit pas une présentation PowerPoint, une conférence ou un essai. Cela ne veut pas dire que ces points d’entrée ne sont pas utiles. Ceci n’est qu’un autre point d’entrée. Je vais produire une série d’affiches sérigraphiées sur ces sujets, avec des slogans, des informations et des images anti-guerre. Je vais également produire un zine sur ce sujet dans le but de le distribuer aux travailleurs du commerce de l’armement à London, en Ontario, qui produisent des véhicules blindés légers destinés à l’Arabie Saoudite et utilisés au Yémen. Ces véhicules passent par Hamilton avant d’être acheminés vers les ports de Baltimore. Toutes ces choses sont liées. Je pense que c’est un bon exemple de l’utilisation de l’art dans le mouvement ouvrier comme un autre point d’entrée dans les questions sur lesquelles les gens travaillent déjà..

Je considère que les artistes sont des travailleurs. Je ne considérerais pas TOUS les artistes comme des travailleurs, dans la mesure où leur relation au travail peut être différente. Il y a des artistes qui sont propriétaires et des artistes qui sont millionnaires. Je ne les considérerais pas comme faisant partie de la classe ouvrière. Je pense que la perception est que, parce qu’il y a une sorte de qualité bourgeoise qui est rattachée à l’art, pensez au marché de l’art et aux gens qui achètent de l’art et apprécient l’art, nous pensons à des bourgeois qui ont beaucoup d’argent et peuvent lâcher un million de dollars sur une peinture. Mais la réalité des artistes actifs que je connais dans ma vie est qu’ils sont tous issus de la classe ouvrière, qu’ils travaillent dur pour payer leurs factures et qu’ils n’achètent pas de tableaux à un million de dollars. Ils ne sont pas propriétaires, mais locataires. Ils travaillent dans des cafés, des bars, et font de l’art en même temps. Je pense qu’il y a bien sûr des idées fausses, il y a des artistes très riches, des artistes très privilégiés. Mais la réalité est que la majorité des artistes qui travaillent aujourd’hui sont issus de la classe ouvrière.

L’exposition qui se tient actuellement au Workers Arts & Heritage Center s’intitule « Future of Work : Lettres de la terre et de l’eau ». Elle a été organisée conjointement par Simranpreet Anand et Srimoyee Mitra et nous avons derrière moi quelques œuvres d’art de Jagdeep Raina qui mettent en lumière des pratiques de broderie et de textile qui ont été perdues à cause du colonialisme et il les explore, les célèbre et les fait revivre.

Ce qui est bien avec ce que Jagdeep Raina fait dans son œuvre ici, c’est qu’il raconte l’histoire de ces pratiques de broderie et de textile perdues à cause du colonialisme et qu’il montre au public la beauté de ces textiles perdus et nous aide à voir la valeur de ces pratiques textiles et ce qui a été perdu à cause du colonialisme.

Je pense que le rôle des artistes est de rendre le mouvement syndical et les autres mouvements sociaux irrésistibles. Notre rôle est de les rendre passionnants pour les gens, accessibles, intéressants et non intimidants. Nous voulons trouver des points de relation où les gens peuvent s’identifier. En tant qu’artiste, si je crée quelque chose, mon objectif est que les spectateurs puissent s’y identifier. S’ils ne peuvent pas s’y identifier, il n’y a pas de point d’entrée, ils ne sont pas intéressés par l’œuvre. Nous voulons que les spectateurs puissent s’identifier aux questions dont nous parlons. Nous voulons les rendre plus personnels. Nous voulons toucher les émotions des gens. Si nous ne pouvons pas les toucher, ils ne s’intéresseront pas à l’art ou aux sujets abordés.

Pour moi, le plus important dans mon art, c’est qu’il contribue à créer un lien avec les gens. Je veux qu’il résonne avec les gens de ma communauté. Je ne veux pas qu’il soit isolé. Je ne veux pas qu’il soit créé et mis dans le monde et ne serve à rien. Je veux qu’il fonctionne. Je veux qu’il fasse quelque chose. Je veux qu’il affecte les émotions et les actions des gens, si possible, et qu’il les inspire.